Mostra Personale di Michela Zasio

Galleria Via Claudia Augusta - Piazza Maggiore - Feltre

31/8 - 2/10/ 2012

Feltre
La cittadella

LA FELTRE SENZA TEMPO Di Michela ZASIO
di Tiziana Casagrande
Conservatrice dei Musei civici di Feltre

Da quando, alla fine degli anni ‘80, si è accostata alla pittura, Michela Zasio ha compiuto un percorso di ricerca e sperimentazione che l’ha portata a prendere progressivamente coscienza e padronanza dei propri mezzi espressivi. Agli esordi il tema privilegiato, declinato con la tecnica versatile, ma solo apparentemente facile, dell’acquerello è stato quello della veduta urbana e, soprattutto, dell’amata Feltre. Proprio lo scorcio di una piazza di questa città, presentato alla mostra di fine corso tenuto dall’acquerellista Giannetto Schneider, a Roma, fece da tramite con colui che sarebbe diventato il suo grande maestro, Pedro Cano. L’artista iberico, passato a visitare l’esposizione, notò il dipinto, colpito dall’essenzialità della scena, e invitò Michela Zasio ad iscriversi allo stage tenuto a Blanca nel 1999. Fu il primo di una serie di incontri e di una lunga frequentazione che portò la pittrice ad acquisire gli insegnamenti dell’illustre docente, calandoli nella sua opera: dalla visione frontale dell’oggetto, all’attento studio della luce. Nel 2000 il primo banco di prova fu la collettiva I colori di Blanca. Immagini di un percorso nel sud della Spagna, curata proprio da Pedro Cano nella sala della disciplina di Anguillara. Nello stesso anno si aggiudicò il primo premio nella seconda edizione della ex tempore Arte e Artigianato nelle terre del Vescovado lungo la Via Claudia Augusta, organizzata dal Centro Culturale Europeo Carlo Rizzarda.
La prima mostra personale, tenuta nel palazzo del Vescovado Vecchio nell’estate del 2001, avente come protagonista Feltre, fu presentata da Tommaso Strinati. Il critico osservava che, nelle immagini ritratte ad acquerello delle porte urbane, delle facciate dei palazzi e di alcuni relitti di archeologia industriale come la manifattura Piave, si fondevano «il gusto per la rappresentazione delle architetture e la ricerca raffinata del colore».
La mostra successiva, Umanità artificiali, nel Palazzo delle Stelline di Milano nel settembre 2005, rappresentò una svolta. Ad essere ritratti ora sono parti di manichini dalle sembianze umane, busti, grucce e stampelle, oggetti curiosi, simulacri di un’umanità fragile e peritura. Essi rappresentano l’occasione per un ennesimo studio sui volumi e la luce, attraverso l’uso di tecniche diverse, acquerelli, acrilici e tecniche miste, con una gamma cromatica che spazia dai grigi a tinte forti quali il rosso, il verde e il blu, evocanti «un misto tra il mondo fauve e la cultura della pop art» (Pedro Cano).
La riflessione sul corpo, e sulle sue mutilazioni, continuò con l’evento espositivo seguente, Toccami, ospitato nella Galleria De Faveri a Feltre nel dicembre 2006. L’artista vi presentò una scioccante teoria di protesi, di mani artificiali, con tutte le sottese implicazioni simboliche e culturali. Attraverso esse, scriveva Roberto Roda, viene allestita «una metafora sulla sofferenza estrema, quella dove il dolore fisico è ingigantito e persino sopraffatto dall’incomunicabilità e dall’umana indifferenza». Un nuovo colpo d’ala nella produzione di Michela Zasio si ha nel febbraio - marzo 2009 con la personale Attorno alla palma, tenuta nella Sala de Exposiciones Municipal de Blanca, dedicata all’albero «simbolo sacrale che unisce religioni e territori» sul quale, fin dal primo stage spagnolo, aveva meditato di lavorare. Vi si trova, come osserva Lorenzo Canova, «una pittura che si alterna e si mescola al disegno, dove la matita può calarsi nel corpo delle piante e analizzare in modo lenticolare e quasi scientifico la loro struttura con un segno attraversato dalla virtù della leggerezza […] o dove il colore si dispiega sul supporto con un impianto monocromo palpitante e brulicante». Analoga attenzione, nell’intento di «recuperare nelle cose l’intrinseca loro fascinosa malia», l’artista riversa nel ritrarre i barch, tradizionali depositi di fieno, «segni estremi di presenza e conquista di un territorio “altro”» (Gianmario Dal Molin).
Ora, in una sorta di recupero delle origini, la protagonista dell’opera di Michela Zasio torna ad essere Feltre, riletta attraverso l’esperienza maturata. L’artista, che risiede abitualmente a Roma, trascorre parte dell’anno in una casa nella cittadella, osservatorio privilegiato del contesto circostante. Quella che compare nelle opere recenti è una Feltre silenziosa ed immota, colta nelle sue linee essenziali, in un istante sovra temporale: potremmo essere nel presente, ma anche cinque secoli prima. Delle architetture del centro storico, frutto dell’ibridazione rinascimentale tra le severe e slanciate forme nordiche e i più leggiadri influssi lagunari, impreziosite dalle decorazioni parietali realizzate a seguito della distruzione connessa all’eccidio del 3 luglio 1510, l’artista distilla l’essenza costituita da blocchi geometrici nettamente delineati. I volumi paiono scolpiti nella pietra e presentano un attento studio dei valori plastici e luministici. Per sua stessa ammissione il pittore prediletto della Zasio è Piero della Francesca per il quale Roberto Longhi usò la formula «sintesi prospettica di forma-colore» «per chiarire l’immota e spettacolare perfezione […] in cui l’intuizione luminosa si traduce in forma di solenne e mediata grandezza, di arcana e misurata certezza» (Stefano Bottari). La luce scorre sui piani con minore o maggiore intensità modulando le forme, infiltrandosi nelle crepe dei muri, nelle disomogeneità degli intonaci tormentati dal tempo, scrostati e dilavati dagli agenti atmosferici, creando sorprendenti marezzature.
La ricerca di come la luce colpisca i corpi, scolpisca i volumi, si insinui negli interstizi e nelle pieghe è un motivo conduttore, una costante fissa dell’opera di Michela Zasio, fin da quando ritraeva particolari di manichini sartoriali, arti artificiali o arabescate volumetrie dei tronchi di palma. La pittrice è selettiva: tutto ciò che non è percepito come rilevante viene azzerato, o quanto meno velato, dai dettagli architettonici alle finestre appena accennate. Anche il colore subisce un drastico ridimensionamento per giungere alla quasi completa monocromia, alla grisaille, basata, per lo più, su una gamma di grigi accesi, di volta in volta, dai toni ocra, verde, rosso o blu, a seconda che la ripresa avvenga in un assolato pomeriggio autunnale, in una frizzante mattina primaverile, durante un infuocato tramonto estivo o in un freddo crepuscolo invernale. La visione, secondo gli insegnamenti del maestro, è rigorosamente frontale. Si tratta di una frontalità che, forse anche per l’oggettiva difficoltà di riprendere la cittadella, talvolta si avvale di una fluttuante prospettiva a volo d’uccello, come se il cavalletto levitasse a mezz’aria, o l’osservatore fosse dotato di un potente teleobiettivo. Nessuna presenza umana compare a distrarre la registrazione delle architetture: per una sorta di ricerca d’armonia di genere, l’uomo diviene elemento estraneo da espungere. Uniche vestigia umane le pagine di giornali che vengono impresse sulla tela rievocando, consapevolmente o casualmente i collages cubisti. La solitudine che avvolge vedute e scorci conferisce agli stessi un’aura di magica sospensione riecheggiante certi paesaggi di Carlo Carrà, da San Giacomo di Varallo nella Pinacoteca civica di Alessandria a Il leccio nella Civica Galleria d’Arte Moderna di Milano.
La suggestione metafisica più propriamente dechirichiana è massima nella sequenza che riprende la torre del Campanon, isolata nella sua mole slanciata, ripresa da diverse angolature e in differenti ore del giorno. La composizione per certi versi richiama inoltre le vedute urbane di Mario Sironi, caratterizzate da una «classicità austera e atemporale, dove il mondo è trasfigurato in un gioco di incastri geometrici elementari e rigidi di sapore arcaico» (Paola Tognon). Certo la modalità di forte sintesi espressiva con cui la Zasio ritrae la Cittadella, pur inserendosi in un preciso filone iconografico feltrino, non ne ripete la convenzionalità. Ella filtra la tradizione del paesaggio urbano attraverso gli influssi del Novecento, giungendo talvolta a citazioni informali. Può risultare interessante un excursus tra chi, prima di lei, ha ritratto la città, partendo dal Cinquecento. Ludovico Toeput detto il Pozzoserrato, tra il 1582 e il 1590, in un disegno conservato ad Ottawa nella National Gallery of Canada, immortalò Feltre circondata dalla cinta muraria intervallata dai torrioni circolari, immersa nel contado, sullo sfondo delle Vette. In casa Borgasio un affresco del XVI secolo fa intravedere un gentile 10 scorcio di porta Pusterla, mentre porta Oria e una veduta cinquecentesca della città compaiono nelle cartelle sulle pareti interne di palazzo Zucco Zasio già Persenda. La fisionomia della seconda metà del seicento è tramandata dall’incisione di Vincenzo Maria Coronelli e dai due oli di Domenico Falce, uno conservato nel Museo civico e l’altro nella collezione Massimiliano Guiotto Zugni-Tauro De Mezzan. Piatta, ma piuttosto dettagliata la città effigiata in una delle lunette seicentesche nel chiostro del Santuario dei Santi Martiri Vittore e Corona. Per il XVIII secolo vi sono le particolareggiate incisioni di Marco Sebastiano Gianpiccoli e Antonio Zambaldi con gli scorci di chiese e palazzi del centro storico. Nella seconda metà dell’Ottocento le litografie di Marco Moro fissano l’immagine di vie, piazze ed edifici di pregio. Un frammento della città compare nell’opera In limine vitae dipinta da Luigi Nono nei mesi estivi trascorsi a Feltre tra il 1903 e il 1905. Nel ‘900 vanno segnalate le dettagliate riprese dal vero di Attilio Corsetti, quelle di Toni Piccolotto, ancora legate all’impianto ottocentesco, i paesaggi dalle cromie espressioniste di Tancredi, Renzo Biasion, Addis Pugliese e Gianni Palminteri. Abbiamo poi le inquadrature sfumate e poetiche di Romano Ocri, gli scorci dalle prospettive rivisitate di Giovanni Pivetta. Bruno Milano coglie la cittadella e i vicoli con inconfondibili sintetiche volumetrie, Walter Resentera vi imprime la cifra della grafica novecentesca, mentre Giampiero Fachin giunge all’astrazione.
Per concludere la carrellata Egle Trincanato fissa alcuni spazi urbani, come il colle delle Capre visto da Tortesen o il vicolo delle Fornere Pazze, in alcuni acquerelli conservati nella Galleria Rizzarda. Michela Zasio entra in punta di piedi in questa galleria con il suo personale modo di ritrarre il paesaggio, la sua ricerca di una perfezione compositiva cui fa da contraltare una costante, spietata autocritica. Quali altri oggetti coglierà il suo pennello? Verso quali altri lidi porterà il suo incessante apprendistato pittorico? Forse ha già pronta, davanti a sé e dentro di sé, la risposta perché, come scriveva Marcel Proust «Un vero viaggio di scoperta non è cercare nuove terre, ma avere nuovi occhi».